Premio en World Press Photo: ¿Fotoperiodismo o arte conceptual? II - Metiéndonos en tema.

La foto de arriba es una captura de lo hecho en 2009 por el artista plástico Jon Rafman, la de abajo es una captura de parte del trabajo presentado en 2011 a WPP por Michael Wolf.

Cuanto más busco (o me ayudan a buscar) más sorprendente me parece la decisión de World Press Photo. Resulta que, según cuenta Michael Wolf en ésta entrevista en 2009 empezó a trabajar con GoogleStreetView porque, viviendo en París la ciudad lo aburría, no encontraba motivación que le permitiera hacer fotos ya que todo le parecía un cliché y esta herramienta lo incentivó a hacer cosas nuevas. En esa época al subir su imágenes a su web varios amigos le comentaron que otros dos artistas, Jon Rafman y Doug Rickard, cada uno por su lado estaban haciendo lo mismo. El responde que desde el primer momento su trabajo fue diferente. Es interesante ver la página de Jon Rafman (se puede leer una buena entrevista al hacer click en la cámara de GSV) donde, entre las más de 200 imágenes con fecha del 2009 hay fotos no sólo parecidas sino que algunas son las mismas presentadas por Wolf con otro encuadre, un año más tarde.También pueden ver su trabajo en su libro en pdf "Sixteen Google Street Views". María José Zubillaga en una nota que al mismo tiempo que estos posts, subió a la página del Fotoclub Uruguayo, cuenta que el artista plástico alemán presentó el mismo trabajo en varias categorias de World Press Photo, lo que me da a entender que, si tengo que llamarlo "obra conceptual" él mismo no tenía delineado en el momento de subirlo, un concepto muy definido de en donde encuadraba su obra.

Gracias a Cursos Paralelos y Majo Zubillaga

Las fotos del año según la revista Life, ahora con la versión para Ipad...

www.life.com

La mentira en la red: fotografías "inéditas" de Pearl Harbor

Hace unos días, una amiga con la mejor voluntad de colaborar con el blog me mandó un link sobre una cámara Kodak Brownie cargada, supuestamente encontrada en un armario, que luego de revelar su película se había descubierto que tenía fotos tomadas durante el ataque a Pearl Harbor por un marinero del barco USS Quapaw ATF-110. Hasta ahí todo creíble, incluso la información sobre los más de 3000 muertos y heridos es cierta. Lo que no es cierto es que la imágenes pertenezcan a esa cámara y ni siquiera a la misma cámara. Porque por ejemplo hay fotos aéreas mezcladas con fotos de lugares que en el medio de la confusión del ataque eran totalmente inaccesibles unos de otros. Muchas de esas fotos son idénticas a las que pueden encontrar en los National Archives de los Estados Unidos. Para colmo el barco en el que el supuesto marinero trabajaba, estaba en cosntrucción en la fecha del ataque. Buenos análisis sobre esta mentira en particular la pueden encontrar en www.urbanlegends.about.com o en www.snopes.com , y la noticia tal cual está circulando la encuentran en www.taringa.net .Los fotógrafos sabemos que el heroísmo y la anécdota entorno a nuestro trabajo rinde más a veces que la simple realidad. De hecho durante años repetimos la mentira vinculada a "muerte de un miliciano" de Capa y sigo escuchando amigos que quieren ignorar las evidencias que comprueban el engaño.

Las fotos de tapa: Cuando elegir es imposible

A veces a los editores se nos hace muy difícil elegir la mejor imagen para la tapa del diario en el que trabajamos. A veces se debe a exceso de oferta, porque tenemos varias notas con buenas fotos. Otras porque no pasa nada en el mundo que merezca ser portada, o porque nuestra mejor foto no corresponde necesariamente a la importancia informativa del material. Y otras como en las tapas que reproducimos aquí, porque la foto es tan impresionante y simbólica que en Argentina, Uruguay o Chile se podría haber publicado en las tapas de los medios locales sin ningún título, que hubiera tenido el mismo efecto. O mejor. La particularidad es que es exactamente la misma foto, porque fue tomada por la Secretaría de Prensa de la Presidencia argentina. En el lugar que el ex presidente Néstor Kirchner fue velado el 28 de octubre de 2010 no se permitió ingresar con cámaras a ningún medio y las imágenes las pusieron ellos a disposición de la prensa.

La desnudez de los fotógrafos

Fotos tomadas en Montevideo, París y Barcelona con cámaras "point and shot" Canon A650, G10 y G11.


En el último editorial de ZoneZero, Pedro Mayer da por sentado que, a pesar de lo accesible que se ha convertido la compra de cámaras fotográficas automáticas y la toma de fotografías, esto no convierte a la gente en fotógrafos, y hasta ahí estoy de acuerdo.
Pero él va mas lejos y adjudica esa condición a que la gente no ha sido "alfabetizada" visulamente y por lo tanto las imágenes que genera no pueden competir con las de un profesional. En realidad esto no es del todo cierto. Cualquier muchacho que hoy tenga 20 años recibió cuatro o cinco veces más información en imágenes de la que Mayer o yo recibimos en igual período de nuestras vidas. Y si bien eso no es educación visual formal el sentido de la composición, que en su esencia se basa en el análisis de las estructuras que en la naturaleza nos quedan visualmente cómodas -después de todo lo áureo nos rodea- puede ser aprendido sin maestros.
¿Entonces, para la fotografía esta "diarrea de imágenes" como califica Jimmy Fox a la situación actual es buena o mala?
No es bueno que la cantidad de fotos a las que podemos acceder se haya multiplicado de miles a millones porque creo que, lo que no es exponencial es el aumento de fotos que realmente valga la pena mirar, y en ese inmenso mar lo bueno queda perdido o por lo menos difuso. Y no es cierto que el interés colectivo por sacar fotos implica que también haya aumentado exponencialmente la percepción o la valoración de lo que es bueno y lo que no. Tampoco veo con buenos ojos esto de que haya cientos de sitios con fotografías de uso libre porque directamente nos quita trabajo. Lo que si es bueno es que, antes de lo digital los fotógrafos nos arrogábamos esa condición porque, teniendo o no cualidades manejábamos la técnica: ese enrredo de fotómetro-diafragama-asa-velocidad-películas-revelado-copiado, y muchos no merecíamos el título. En la era del laboratorio tuve alumnos en ORT que eran grandes artesanos y, sin demasiadas explicaciones lograban copias aceptables en forma rápida, pero eran espantosos para entender qué era una buena imagen y qué no. Mientras otros que demostraban talento innato para la toma de fotos se desestimulaban por la falta de manualidad artesanal que requería el laboratorio. Hoy los profesionales estamos expuestos, totalmente desnudos porque esa barrera se terminó y lo único que nos queda para ofrecer es nuestro ojo. Y la gente que vive en hogares donde, entre las cámaras y los celulares seguramente hay cuatro o cinco formas de obtener imágenes, sabe que una buena foto puede ser solo una casualidad, porque a sus propios niños les sucede, y nos piden, nos exigen, que tengamos nuestra propia historia de buenas imágenes en reiteración real, para considerarnos buenos profesionales.

JIMMY FOX, ex editor de Magnum: «Muchos fotógrafos van a la guerra de safari, como a un parque de atracciones»

Jimmy Fox fue, durante 30 años editor de la agencia fotográfica Magnum. La periodista española Ana Tagarro lo entrevistó en París para la revista en línea XLSemanal.

Entre otras cosas dijo:
-Respecto a cómo ser un buen editor "Es importante entender de composición, pero sobre todo debes comprender al sujeto fotografiado, tener compasión, respeto y ser humilde. No puedes caer en el error de ser tan perfeccionista y quedarte sólo en en la composición y no en el contenido. En uno de sus primeros trabajos con Magnum, James Natchwey volvió de Rumanía de fotografiar los orfanatos. Eran unas imágenes muy sentimentales, lo que llamamos peephole, como el que mira por una mirilla. El fotógrafo se había apropiado del sujeto en lugar de ser testigo. Cuando tratas con el sufrimiento humano y juegas con la estética, es peligroso. Es un límite muy difícil de trazar. ¿Quién es másimportante, el sujeto que sufre o el fotógrafo y su estética?"

- Respecto a las fotos qeu muestran el hambre y el sufrimiento en forma estética, como las de Natchwey o Salgado "Conozco bien a Sebastião Salgado. Cuando regresó de su trabajo sobre el hambre y vi todo su material, recuerdo haberme despertado una noche con una imagen en la cabeza que no me dejaba dormir, una de un niño intubado… si a mí no me dejaba dormir una foto, ¿qué le estaría pasando a él, que estuvo allí? Conozco la situación personal de Sebastião, que tiene un hijo con síndrome de Down, conozco su sensibilidad, y se había pasado todo el día, muchos días, en un campo en el que los niños morían de hambre. Eso, forzosamente, te cambia. ¿Cómo lidia él con esa situación? ¿Cómo la plasma? Eso es lo determinante."

-En relación a los fotógrafos de guerra "Lo que creo es que no deberías arriesgar tu vida ni la de los demás para hacer fotos cuyo objeto es llenar páginas de periódicos y revistas cuyo objeto, a su vez, es ganar dinero con la publicidad que va junto a esas fotos.

- Sobre el uso de nuevas tecnologías "Ahora, los medios fuerzan a los fotógrafos a hacer digital, porque es más barato y más rápido, pero lo que ocurre es que ellos disparan de más. Con el ordenador ha venido a producirse una diarrea visual."

-Respecto hacia dónde va la fotografía "Creo que el futuro inmediato es la fotografía en movimiento con audio. No es cine. Son fotografías en movimiento y con sonido, ya sea sonido ambiente o con la voz del fotógrafo, hablando sobre lo que sucede. Los ordenadores hacen que la imagen sea accesible a una enorme cantidad de gente, permiten que se alteren el contenido, el color… abre un enorme horizonte a la creatividad. Eso es progreso, pero con él llega también la mediocridad.

La entrevista completa la pueden encontrar en:
http://xlsemanal.finanzas.com
Fotografía de: Susana Vera

Récord en subasta de fotos de Richard Avedon

La fotografía de Richard Avedon (1923- 2004) Dovima con los elefantes logró el récord mundial del artista estadounidense al venderse por 841.000 euros en una subasta de sus obras realizada por Christie's el 27 de noviembre en París . La instantánea, tomada en el Circo de Invierno de la capital francesa en 1955, prácticamente ha doblado la estimación inicial de la casa de subastas, que estaba entre los 400.000 y los 600.000 euros, como muchas otras fotografías puestas a la venta. Los 65 lotes salidos de la Fundación Richard Avedon han recaudado 5,4 millones de euros, frente a los entre 3 y 5 millones que había calculado Christie's.

La segunda adquisición más cara de la venta ha sido un montaje de cuatro retratos psicodélicos de los Beatles realizado en 1967, que se ha adjudicado por 445.000 euros, también por encima de lo estimado.

La imagen provocativa de la modelo Stephanie Seymour descubriéndose el sexo se ha adjudicado por 265.000 euros y la puja por la instantánea de Suzy Parker y Robin Tattersall bailando en la plaza de la Concordia de París ha alcanzado los 217.000 euros.

El presidente de la Fundación Richard Avedon, Paul Roth, ha recordado que Avedon habría querido que se pusieran a la venta algunas fotografías para poder financiar y desarrollar actividades como el archivo, el acceso del fondo a los universitarios y estudiantes, las publicaciones y las exposiciones.

Una copia de 1978 de Dovima y los elefantes (1955), probablemente una de las fotografías más emblemáticas de Richard Avedon, saldrá hoy a la venta (a un precio entre 400.000 y 600.000 euros) en la subasta más grande jamás organizada en torno a la obra del fotógrafo estadounidense, fallecido en 2004, tras una vida de crear imágenes icónicas del siglo XX.

Se trata de un lote de 64 fotografías entre las que están algunos de sus retratos más conocidos. Los rostros de Picasso y Robert Frank, de Dylan y Brigitte Bardot, de Marilyn Monroe y de Alberto Giacometti estuvieron presentes en la subasta parisiense, organizada por la casa Christie's dentro del marco del festival París Photo, que se celebra hasta mañana y que con 106 expositores, galerías y publicaciones de 25 países y más de 1.000 artistas literalmente toma un año más la capital francesa para mirar el mundo a través de miles de fotografías. El foco de esta nueva edición está puesto en Europa Central que, con 90 artistas participantes de la República Checa, Hungría, Polonia, Eslovaquia y Eslovenia, es el tema central de la nueva edición.

via: El País