Pequeño milagro en la iglesia ortodoxa rusa

Hace unos días en la página oficial de la Iglesia Ortodoxa rusa apareció una foto del patriarca Kirill I muy curisosa. Si bien en la imagen el lider religioso no usaba reloj, en la superficie de la mesa se reflejaba un costoso reloj suizo marca Breguet de U$S 30.000. El patriarca, que para la iglesia ortodoxa rusa es el equivalente al Papa de la Iglesia Católica, dijo en una entrevista posterior al escándalo que nunca había usado un reloj como ese y que todo debía ser parte de un truco, a pesar de que en la página oficial de dicha iglesia ya se había subido la foto original.
Los responsables de comunicación adjudicaron el grosero "photoshopeo" a los editores de la web por lo que llamaron un "error técnico" y agregaron que serán "seriamente castigados".
La iglesia rusa ha sido fuertemente cuestionada en los últimos años por amplios sectores de la opinión pública rusa, adjudicándole un inmenso crecimiento de su poder económico e influencia en el gobierno y en áreas claves como la educación o la justicia. El patriarca Kirill I a hecho campaña abiertamente en las últimas elecciones anunciando su apoyo a Vladimir Putin.
En base a: New York Times y BBC
gracias a @zgabros

El ego de los fotógrafos de prensa

Integrantes de una pandilla posan en una cárcel de Manila (Libro Manila Ed. Gran Sol, 2005)

En un reportaje publicado en la web quesabesde.com el multipremiado fotógrafo español Ricky Dávila dice que le "repugna la falsa épica del fotógrafo audaz que tan de moda parece estar"

Es muy buena la diferenciación que hace Dávila entre el fotoperiodismo y el documentalismo, definiendo a este úlitmo como el trabajo fotográfico que representa una realidad determinada, sin la restricción de tiempo y de tema que impone la mecánica del fotoperiodismo, con asignaciones, fechas límite y posterior edición, muchas veces no condicionada al ojo de un editor gráfico porque después de todo, "¿quién no puede opinar y hasta elegir una foto?". Robert Redford en un reportaje reciente hace una disquisición similar entre el periodismo en todas sus formas y la realización de documentales, marcando a éstos como los herederos del verdadero periodismo de investigación.

De esa falsa épica a la que se refiere Dávila, que tanto tiene que ver con el ego hay decenas de ejemplos, pero seguramente el más notorio sea el de Kevin Carter y su icónica foto del niño con el buitre detrás.

De todos modos en lo que no estoy de acuerdo con Dávila es cuando él dice que el documentalismo no cambia el mundo. Por supuesto que lo cambia en por lo menos tres direcciones. Cambia al fotógrafo por haber elegido un determinado sujeto de interés alineando temas y situaciones detrás de una idea, cambia a los fotografiados cuando sienten que alguien perpetuará su imagen, la muestre o no la muestre, y finalmente cambia al espectador de esa foto al abrile la cabeza hacia el conocimiento de otra realidad y al convertirlo en agente de transmisión hacia otros de la representación de la que fue testigo.

El fotorreportero fotografía de la misma forma que un músico crea. Primero lo hace para sí casi como una compulsión. Luego eligirá la forma en que lo muestre. O no.

Gracias a Fernando @fer317

La tapa racista de la revista Hola y la respuesta de la revista Soho, en Colombia

En 2011 la revista Hola de Colombia publicó una muy polémica tapa con las mujeres de la familia Zarzur, una de las más poderosas de ese país, que parecía más una ilustración medieval que una foto moderna. A pesar del posterior pedido de disculpas de la familia y de la revista los ejemplares fueron distribuidos con el cosecuente daño a una sociedad donde, al menos el 20% de la población tiene ascendencia negra.
Un año después, cuando las aguas se habían aquietado la revista masculina Soho recordó el traspie de Hola publicando una foto que parodiaba aquella de las mujeres Zarzur, con cuatro consagradas modelos colombianas como protagonistas, Vanessa Parra, Yésica Paola Montoya, Belky Arizala y Diana Mina.
Daniel Samper, director de SoHO dijo en twitter: “En tu cara, @Holacom http://t.co/qTjDQiXg”
Vía Clases de Periodismo

Iroshima, 60 fotos inéditas rescatadas de la basura

Hiroshima: Ground Zero 1945 from ICP on Vimeo.

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Después que Estados Unidos detonó la primera bomba atómica en Hiroshima el 06 de agosto 1945, el gobierno de Truman restringió la circulación de imágenes que mostraran los efectos mortales de la bomba. El gobierno envió 1.150 militares y civiles, fundamentalmente ingenieros y arquitectos a la ciudad, entre ellos siete fotógrafos a registrar la destrucción, como parte de un plan estratégico llamado "Survey Physical Damage Division". El objetivo del estudio que duró dos meses era fotografiar y analizar metódicamente el impacto de la bomba atómica en diversos materiales de construcción que rodeaban el lugar de la explosión, la primer "Ground zero". Más de 800 de aquellas fotografías fueron publicadas en un informe secreto de tres tomos titulado "Los efectos de la bomba de Hiroshima, Japón" que se convirtió en la biblia del Gobierno estadounidense para la construcción de ciudades en los años que siguieron. El informe sugería que para que las grandes ciudades fueran más resistentes a un ataque nuclear era necesario trasladar las fábricas a distritos pequeños,para que ante un eventual ataque, no se desintegrara la capacidad de producción del país.
Además, proponía reforzar los edificios con acero y cemento armado y construir búnkeres en sus sótanos. Muchos de esos edificios son todavía hoy parte del paisaje urbano estadounidense y el símbolo de "protección anti radiación nuclear" en las entradas indica sus características de "edificio a prueba de bomba".
Las fotos fueron desclasificadas en la década de los sesenta, se conservaron durante años en el sótano de uno de los ingenieros que elaboró el informe gubernamental y estuvieron a punto de ser pasto de las llamas en un incendio en el que pereció aquel ingeniero. Su hija las tiró a la basura, un joven las rescató, pero después perdió parte de ellas. Las encontró el dueño de un restaurante en la calle en Watertown (Massachussets) en 2000 y con la ayuda de un amigo localizó a su último dueño, organizó una exposición modesta e ignorada y finalmente, en 2006, se convirtieron en parte de la colección del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York (ICP). Ahora este centro les devuelve su descorazonadora importancia y realiza hasta el 28 de agosto en su sede neoyorkina una exposición de éstas imágenes prohibidas. La misma incluye alrededor de 60 fotografías, seleccionadas entre más de 700 imágenes pertenecientes a la colección del ICP.
Fuente: Centro Internacional de Fotografía de Nueva York Diario El País de Madrid

"Más allá del deber", el libro

En marzo de 2010 presenté al Ejército un proyecto para documentar en imágenes la vida de los soldados uruguayos en las misiones de paz de ONU. Me resultaba curioso que al preguntar en qué consistía el trabajo de los “cascos azules”, las respuestas fueran desde un silencioso alzamiento de hombros a la más clásica de “van a pasar seis meses afuera para poder cobrar la compensación y hacerse la casita”. Del trabajo en sí mismo, poca noticia.

Mi propuesta fue aceptada en el marco de los festejos del Ejército por los 200 años de su fundación.

Tras meses de preparación, en julio viajé a República Democrática del Congo y luego a Haití. Nada de lo que nos digan previamente puede prepararnos para lo que veremos y escucharemos allí. En esos lugares, donde los niños mueren por enfermedades que aquí resolvemos con una aspirina o en los que el canibalismo y los brujos bendiciendo a los soldados son cosas usuales, encontré un grupo humano que más allá de ver las misiones de paz como una posibilidad de agregar una habitación a la casa familiar, trabajan para mejorar las condiciones de vida de la gente, excediendo el mandato de ONU.

Los íconos de la fotografía documental. ¿Y si no son reales, qué?

La fotografía es una representación posible de la realidad. Hasta ahí seguramente todos de acuerdo.
Pero resulta que, hasta los más involucrados en la fotografía documental algún día nos olvidamos de lo creíble, de lo verosímil y queremos que la realidad que otro representó sea eso: realidad. Durante décadas he escuchado a fotógrafos porfesionales repetir hasta el cansancio, por ejemplo que “muerte de un miliciano” es verdadera. Como si ese combatiente en Cerro Murciano no fuera lo suficientemente heroico por haber actuado su propia muerte. Y lo cierto es que sí, la actuó. Y Capa, sin poder saber que su fotografía alcanzaría la estatura de ícono, envió a la revista francesa Vu, para la que estaba trabajando, no solo la foto de un soldado cayendo, sino de dos. Y por la posición de las nubes del fondo es fácil notar que todo fue realizado con pocos minutos de tiempo entre tomas. En un acto casi ingenuo el 23 de setiembre de 1936 la publicación coloca ambas fotos, una arriba de la otra en la misma página. Si no alcanzara la verificación histórica que dice que ese día en Cerro Murciano no hubo combates , basta con mirar la mano izquierda del combatiente. Está hacia abajo amortiguando la caída. Si hubiera recibido un impacto mortal de bala ambas manos estarían hacia arriba o hacia atrás. En 2009 tuve la oportunidad de visitar en Barcelona el estreno mundial de la muestra sobre Capa y Gerda Taro. La exposición fue armada por el ICP (International Center of Photography) de Nueva York y habían elegido la capital catalana para la primera exhibición. Había una habitación dedicada al contenido de la “maleta mexicana” y una sala para “muerte de un miliciano”. Ahí prolijamente se ponían en evidencia todos los argumentos que desarmaban la tésis de que lo que veíamos había sucedido. La pregunta es: ¿Cuál es el problema de que la foto sólo sea verosímil? ¿Cierta o no, hay un mayor ícono de la heroicidad del pueblo español luchando contra el golpe de estado? Pues para los fotógrafos tanto “la niña con el buitre” como la foto de Capa deben ser verdaderas sin darse cuenta que se alejaron de su origen, del momento en que fueron hechas las tomas y se terminaron convirtiendo, una en símbolo del drama del hambre y la otra en la representación de la lucha por la libertad.


Y para desmoralizar un poco más a los puristas, la foto “izando la bandera en Iwo Jima” de Joe Rosenthal, donde se ha dicho que la bandera fue levantada bajo fuego japonés también fue armada. Cuando el fotógrafo ascendió al monte Suribashi con un grupo grande de soldados, de la cima venían bajando unos pocos que ya habían elevado una bandera muy pequeña. Y cambiaron la insignia. Luego se tomaron mutuamente fotos cual paseo campestre.

La verdad y la mentira detrás de una foto icónica: El niño y el buitre de Kevin Carter

A veces los fotógrafos nos dejamos seducir por la vanidad. Seguramente algo así pudo haberle pasado a Kevin Carter cuando, luego de que en 1993 el New York Times publicara su foto tomada en Sudán de una niña siendo acechada por un buitre, ésta ganara el codiciado premio Pulitzer. Carter, en vez de bajar inmediatamente la imagen a la realidad de esa niña y de su entorno, contando cómo y en qué circunstancias la había realizado, permitió que la carga simbólica de esa imagen justificara el premio. Al pasar el tiempo la presión de la opinión pública mundial fue enorme. El siguió en silencio sobre la verdad y prefirió justificarse en la mentira diciendo: "Es la foto más importante de mi carrera pero no estoy orgulloso de ella, no quiero ni verla, la odio. Todavía estoy arrepentido de no haber ayudado a la niña". La gente interpretaba la actitud de Carter ante la inminente muerte de la niña, como la representación de la indiferencia del mundo hacia esa y todas las hambrunas. Y Carter en vez de apagar el fuego con agua, lo alimentó con combustible. Se lo llegó a calificar como el segundo buitre en la foto. La versión alternativa, la que en definitiva parece más real, la cuenta el reportero gráfico sudafricano João Silva que viajó con Carter a Sudán. Lo cierto es que ellos fueron en un avión que estaba repartiendo alimentos a pueblos en esa región. El vuelo de Naciones Unidas además de comida llevó a los periodistas y sólo estuvieron algo más de media hora en el lugar, lo que duró la distribución. Silva dice que Kevin "estaba bastante sorprendido, puesto que era la primera vez que veía una situación real de hambruna, por lo que hizo muchas fotos de niños hambrientos." João Silva comenzó también a tomar fotografías de niños en el suelo, como llorando, que no se publicaron. Los padres de los niños estaban ocupados recibiendo la comida, por lo que se habían desentendido de momento de los niños, que algunos habían sido dejados por los adultos en el estercolero del pueblo para que hicieran sus necesidades, lugar donde los buitres concurrían a diario a comer la materia fecal. Esta era la situación de la niña (que ahora se sabe, era un niño) de la foto hecha por Carter. "Un buitre se posó detrás", cuenta Silva "para meterlos a ambos en cuadro, Carter se acercó muy despacio para no asustar al buitre, e hizo la foto desde unos 10 metros. Hizo algunas tomas más y el buitre se fue." Para lograr la aparente cercanía el fotógrafo usó un lente teleobjetivo, que altera la perspectiva.

Lejos de esta verdad no dicha en su momento, la gente y muchos periodistas prefirieron completar la historia dramática que Carter había fomentado adjudicándole la causa de su suicidio -acontecido pocos meses después- a la foto en cuestión. En un mundo en blanco y negro todo cerraba perfectamente. No tomaron en cuenta que antes de la famosa foto Carter había hecho otros intentos de auto eliminación. Que su mejor amigo había muerto poco tiempo antes. Que la vida del free-lance nunca fue fácil y menos si se tienen gustos caros como consumir drogas. Ahora un equipo del diario El Mundo investigó, 18 años después de la famosa foto, -alabanza del buen periodismo- y logró desentrañar la verdadera historia. Descubrió que el niño se llamaba Kong Nyong y murió hace cuatro años. Curioso asunto la ceguera, sobre todo en el oficio periodístico. El niño tiene en la foto una pulsera blanca. Esa pulsera es la identificación que el fondo para la alimentación de Naciones Unidas le había colocado para su registro. Eso implicaba que ese pueblo y en consecuencia ese niño estaban siendo asistidos por el organismo internacional. En el video una amiga de Carter dice algo que de tan obvio, lastima: "esa foto probablemente salvó mas vidas que cualquier campaña contra el hambre". A su vez un reportero gráfico español dice que el papel del fotógrafo es documentar, no el de interferir en el rol de los cooperantes que al mismo tiempo están haciendo su propio trabajo. La pulsera siempre estuvo ahí. Sólo había que ampliar la foto, mirar los números de registro y saber la localización exacta del niño. Pero como en un acto de magia, el colectivo social y los periodistas como parte del mismo, solo vieron lo que quisieron ver, hasta que el diario El Mundo hizo lo que se debía.

Premio en World Press Photo: ¿Fotoperiodismo o arte conceptual?

Hace unas semanas empecé a escribir un post que hoy me suena a premonición. Lo iniciaba así:

World Press Photo premió imagen capturada de video de seguridad

La noticia es mentira. ¿Pero cuánto falta para que sea cierto? La fotografía y todo el campo audiovisual están sufriendo una revolución que conmueve hasta el marco ético que la profesión mantenía hasta ahora.

La idea era plantear la discusión que tantos otros fotógrafos y editores han fomentado en los últimos tiempos, sobre las incertidumbres y posibles consecuencias de la revolución digital. El centro de ese post quedará para mas adelante porque como siempre, parte del resultado del concurso anual World Press Photo da para discutir y cuestionar. Y tal vez para intuir tendencias sobre la profesión de los fotoperiodistas. Lo que me remitió a mi texto interrumpido es la Mención de Honor en la sección de Temas Contemporáneos: 12 imágenes presentadas (y ya veremos porqué el verbo se justifica) por el fotógrafo alemán Michael Wolf que resultan ser capturas de Google Street View. Wolf se inició en el fotoperiodismo trabajando en Asia para la revista Stern, pero desde sus inicios siempre estuvo atraído por la arquitectura de las ciudades y su interacción con la gente, obligándolo a llevar su trabajo mas allá de lo meramente documental. En los primeros años del nuevo siglo elaboró su primera instalación conceptual: The real toy story , una obra de 45 metros cuadrados y 16.000 juguetes. Su exploración de la enajenación provocada por los objetos de consumo y la vida en las ciudades lo llevó a los techos de Chicago para repetir el sentido dado a su trabajo sobre la arquitectura de las ciudades asiáticas. Pero allí comenzó a ver las personas dentro de los edificios y a preocuparse más por la gente que por los vidriados rascacielos. Y gracias a esa inspiración comenzó a usar como fuente de imágenes a ese Gran Hermano en que se trasformó GoogleStreetView, donde Wolf buscó

"accidentes" de la vida cotidiana. O sea un artista conceptual usando la fotografía como herramienta creativa. Y el resultado de su trabajo él consideró y los jueces de World Press Photo lo avalaron, como fotoperiodismo. Las preguntas son múltiples pero la primera y obvia es la que hace el British Journal of Photography ¿GoogleStreetView es fotoperiodismo? Y las otras son interrogantes que refieren a la actual o futura propiedad de nuestras imágenes: ¿A quién pertenecen? Porque Google tiene sus técnicos que recorren las calles del mundo sacando esas fotos con cámaras de 360 grados. Se podrá decir que ellos o los editores que procesan las imágenes no notan esos accidentes y si los notan no son capaces de ver que todos pueden ser agrupados en un concepto como lo hizo Wolf. ¿Y entonces, si además el artista tuvo empleados buscando las fotos y fueron ellos los que las encontraron, ese forzado ejercicio creativo no los hace dueños de las imágenes, dejando a Wolf sólo con la idea? Si. Solo tengo preguntas. Pero todas ellas podrían ser aplicadas al título mentiroso que había creado para llamar la atención. Unos pocos días después de hacerlo, nada menos que la mayor vidriera de fotoperiodismo del mundo, en cierto modo me dice que no estoy tan lejos de la verdad. ¿Después de todo Google Street View no es un sistema de vigilancia?

Premio en World Press Photo: ¿Fotoperiodismo o arte conceptual? II - Metiéndonos en tema.

La foto de arriba es una captura de lo hecho en 2009 por el artista plástico Jon Rafman, la de abajo es una captura de parte del trabajo presentado en 2011 a WPP por Michael Wolf.

Cuanto más busco (o me ayudan a buscar) más sorprendente me parece la decisión de World Press Photo. Resulta que, según cuenta Michael Wolf en ésta entrevista en 2009 empezó a trabajar con GoogleStreetView porque, viviendo en París la ciudad lo aburría, no encontraba motivación que le permitiera hacer fotos ya que todo le parecía un cliché y esta herramienta lo incentivó a hacer cosas nuevas. En esa época al subir su imágenes a su web varios amigos le comentaron que otros dos artistas, Jon Rafman y Doug Rickard, cada uno por su lado estaban haciendo lo mismo. El responde que desde el primer momento su trabajo fue diferente. Es interesante ver la página de Jon Rafman (se puede leer una buena entrevista al hacer click en la cámara de GSV) donde, entre las más de 200 imágenes con fecha del 2009 hay fotos no sólo parecidas sino que algunas son las mismas presentadas por Wolf con otro encuadre, un año más tarde.También pueden ver su trabajo en su libro en pdf "Sixteen Google Street Views". María José Zubillaga en una nota que al mismo tiempo que estos posts, subió a la página del Fotoclub Uruguayo, cuenta que el artista plástico alemán presentó el mismo trabajo en varias categorias de World Press Photo, lo que me da a entender que, si tengo que llamarlo "obra conceptual" él mismo no tenía delineado en el momento de subirlo, un concepto muy definido de en donde encuadraba su obra.

Gracias a Cursos Paralelos y Majo Zubillaga

Las fotos del año según la revista Life, ahora con la versión para Ipad...

www.life.com

La mentira en la red: fotografías "inéditas" de Pearl Harbor

Hace unos días, una amiga con la mejor voluntad de colaborar con el blog me mandó un link sobre una cámara Kodak Brownie cargada, supuestamente encontrada en un armario, que luego de revelar su película se había descubierto que tenía fotos tomadas durante el ataque a Pearl Harbor por un marinero del barco USS Quapaw ATF-110. Hasta ahí todo creíble, incluso la información sobre los más de 3000 muertos y heridos es cierta. Lo que no es cierto es que la imágenes pertenezcan a esa cámara y ni siquiera a la misma cámara. Porque por ejemplo hay fotos aéreas mezcladas con fotos de lugares que en el medio de la confusión del ataque eran totalmente inaccesibles unos de otros. Muchas de esas fotos son idénticas a las que pueden encontrar en los National Archives de los Estados Unidos. Para colmo el barco en el que el supuesto marinero trabajaba, estaba en cosntrucción en la fecha del ataque. Buenos análisis sobre esta mentira en particular la pueden encontrar en www.urbanlegends.about.com o en www.snopes.com , y la noticia tal cual está circulando la encuentran en www.taringa.net .Los fotógrafos sabemos que el heroísmo y la anécdota entorno a nuestro trabajo rinde más a veces que la simple realidad. De hecho durante años repetimos la mentira vinculada a "muerte de un miliciano" de Capa y sigo escuchando amigos que quieren ignorar las evidencias que comprueban el engaño.

Las fotos de tapa: Cuando elegir es imposible

A veces a los editores se nos hace muy difícil elegir la mejor imagen para la tapa del diario en el que trabajamos. A veces se debe a exceso de oferta, porque tenemos varias notas con buenas fotos. Otras porque no pasa nada en el mundo que merezca ser portada, o porque nuestra mejor foto no corresponde necesariamente a la importancia informativa del material. Y otras como en las tapas que reproducimos aquí, porque la foto es tan impresionante y simbólica que en Argentina, Uruguay o Chile se podría haber publicado en las tapas de los medios locales sin ningún título, que hubiera tenido el mismo efecto. O mejor. La particularidad es que es exactamente la misma foto, porque fue tomada por la Secretaría de Prensa de la Presidencia argentina. En el lugar que el ex presidente Néstor Kirchner fue velado el 28 de octubre de 2010 no se permitió ingresar con cámaras a ningún medio y las imágenes las pusieron ellos a disposición de la prensa.

La desnudez de los fotógrafos

Fotos tomadas en Montevideo, París y Barcelona con cámaras "point and shot" Canon A650, G10 y G11.


En el último editorial de ZoneZero, Pedro Mayer da por sentado que, a pesar de lo accesible que se ha convertido la compra de cámaras fotográficas automáticas y la toma de fotografías, esto no convierte a la gente en fotógrafos, y hasta ahí estoy de acuerdo.
Pero él va mas lejos y adjudica esa condición a que la gente no ha sido "alfabetizada" visulamente y por lo tanto las imágenes que genera no pueden competir con las de un profesional. En realidad esto no es del todo cierto. Cualquier muchacho que hoy tenga 20 años recibió cuatro o cinco veces más información en imágenes de la que Mayer o yo recibimos en igual período de nuestras vidas. Y si bien eso no es educación visual formal el sentido de la composición, que en su esencia se basa en el análisis de las estructuras que en la naturaleza nos quedan visualmente cómodas -después de todo lo áureo nos rodea- puede ser aprendido sin maestros.
¿Entonces, para la fotografía esta "diarrea de imágenes" como califica Jimmy Fox a la situación actual es buena o mala?
No es bueno que la cantidad de fotos a las que podemos acceder se haya multiplicado de miles a millones porque creo que, lo que no es exponencial es el aumento de fotos que realmente valga la pena mirar, y en ese inmenso mar lo bueno queda perdido o por lo menos difuso. Y no es cierto que el interés colectivo por sacar fotos implica que también haya aumentado exponencialmente la percepción o la valoración de lo que es bueno y lo que no. Tampoco veo con buenos ojos esto de que haya cientos de sitios con fotografías de uso libre porque directamente nos quita trabajo. Lo que si es bueno es que, antes de lo digital los fotógrafos nos arrogábamos esa condición porque, teniendo o no cualidades manejábamos la técnica: ese enrredo de fotómetro-diafragama-asa-velocidad-películas-revelado-copiado, y muchos no merecíamos el título. En la era del laboratorio tuve alumnos en ORT que eran grandes artesanos y, sin demasiadas explicaciones lograban copias aceptables en forma rápida, pero eran espantosos para entender qué era una buena imagen y qué no. Mientras otros que demostraban talento innato para la toma de fotos se desestimulaban por la falta de manualidad artesanal que requería el laboratorio. Hoy los profesionales estamos expuestos, totalmente desnudos porque esa barrera se terminó y lo único que nos queda para ofrecer es nuestro ojo. Y la gente que vive en hogares donde, entre las cámaras y los celulares seguramente hay cuatro o cinco formas de obtener imágenes, sabe que una buena foto puede ser solo una casualidad, porque a sus propios niños les sucede, y nos piden, nos exigen, que tengamos nuestra propia historia de buenas imágenes en reiteración real, para considerarnos buenos profesionales.

JIMMY FOX, ex editor de Magnum: «Muchos fotógrafos van a la guerra de safari, como a un parque de atracciones»

Jimmy Fox fue, durante 30 años editor de la agencia fotográfica Magnum. La periodista española Ana Tagarro lo entrevistó en París para la revista en línea XLSemanal.

Entre otras cosas dijo:
-Respecto a cómo ser un buen editor "Es importante entender de composición, pero sobre todo debes comprender al sujeto fotografiado, tener compasión, respeto y ser humilde. No puedes caer en el error de ser tan perfeccionista y quedarte sólo en en la composición y no en el contenido. En uno de sus primeros trabajos con Magnum, James Natchwey volvió de Rumanía de fotografiar los orfanatos. Eran unas imágenes muy sentimentales, lo que llamamos peephole, como el que mira por una mirilla. El fotógrafo se había apropiado del sujeto en lugar de ser testigo. Cuando tratas con el sufrimiento humano y juegas con la estética, es peligroso. Es un límite muy difícil de trazar. ¿Quién es másimportante, el sujeto que sufre o el fotógrafo y su estética?"

- Respecto a las fotos qeu muestran el hambre y el sufrimiento en forma estética, como las de Natchwey o Salgado "Conozco bien a Sebastião Salgado. Cuando regresó de su trabajo sobre el hambre y vi todo su material, recuerdo haberme despertado una noche con una imagen en la cabeza que no me dejaba dormir, una de un niño intubado… si a mí no me dejaba dormir una foto, ¿qué le estaría pasando a él, que estuvo allí? Conozco la situación personal de Sebastião, que tiene un hijo con síndrome de Down, conozco su sensibilidad, y se había pasado todo el día, muchos días, en un campo en el que los niños morían de hambre. Eso, forzosamente, te cambia. ¿Cómo lidia él con esa situación? ¿Cómo la plasma? Eso es lo determinante."

-En relación a los fotógrafos de guerra "Lo que creo es que no deberías arriesgar tu vida ni la de los demás para hacer fotos cuyo objeto es llenar páginas de periódicos y revistas cuyo objeto, a su vez, es ganar dinero con la publicidad que va junto a esas fotos.

- Sobre el uso de nuevas tecnologías "Ahora, los medios fuerzan a los fotógrafos a hacer digital, porque es más barato y más rápido, pero lo que ocurre es que ellos disparan de más. Con el ordenador ha venido a producirse una diarrea visual."

-Respecto hacia dónde va la fotografía "Creo que el futuro inmediato es la fotografía en movimiento con audio. No es cine. Son fotografías en movimiento y con sonido, ya sea sonido ambiente o con la voz del fotógrafo, hablando sobre lo que sucede. Los ordenadores hacen que la imagen sea accesible a una enorme cantidad de gente, permiten que se alteren el contenido, el color… abre un enorme horizonte a la creatividad. Eso es progreso, pero con él llega también la mediocridad.

La entrevista completa la pueden encontrar en:
http://xlsemanal.finanzas.com
Fotografía de: Susana Vera

Récord en subasta de fotos de Richard Avedon

La fotografía de Richard Avedon (1923- 2004) Dovima con los elefantes logró el récord mundial del artista estadounidense al venderse por 841.000 euros en una subasta de sus obras realizada por Christie's el 27 de noviembre en París . La instantánea, tomada en el Circo de Invierno de la capital francesa en 1955, prácticamente ha doblado la estimación inicial de la casa de subastas, que estaba entre los 400.000 y los 600.000 euros, como muchas otras fotografías puestas a la venta. Los 65 lotes salidos de la Fundación Richard Avedon han recaudado 5,4 millones de euros, frente a los entre 3 y 5 millones que había calculado Christie's.

La segunda adquisición más cara de la venta ha sido un montaje de cuatro retratos psicodélicos de los Beatles realizado en 1967, que se ha adjudicado por 445.000 euros, también por encima de lo estimado.

La imagen provocativa de la modelo Stephanie Seymour descubriéndose el sexo se ha adjudicado por 265.000 euros y la puja por la instantánea de Suzy Parker y Robin Tattersall bailando en la plaza de la Concordia de París ha alcanzado los 217.000 euros.

El presidente de la Fundación Richard Avedon, Paul Roth, ha recordado que Avedon habría querido que se pusieran a la venta algunas fotografías para poder financiar y desarrollar actividades como el archivo, el acceso del fondo a los universitarios y estudiantes, las publicaciones y las exposiciones.

Una copia de 1978 de Dovima y los elefantes (1955), probablemente una de las fotografías más emblemáticas de Richard Avedon, saldrá hoy a la venta (a un precio entre 400.000 y 600.000 euros) en la subasta más grande jamás organizada en torno a la obra del fotógrafo estadounidense, fallecido en 2004, tras una vida de crear imágenes icónicas del siglo XX.

Se trata de un lote de 64 fotografías entre las que están algunos de sus retratos más conocidos. Los rostros de Picasso y Robert Frank, de Dylan y Brigitte Bardot, de Marilyn Monroe y de Alberto Giacometti estuvieron presentes en la subasta parisiense, organizada por la casa Christie's dentro del marco del festival París Photo, que se celebra hasta mañana y que con 106 expositores, galerías y publicaciones de 25 países y más de 1.000 artistas literalmente toma un año más la capital francesa para mirar el mundo a través de miles de fotografías. El foco de esta nueva edición está puesto en Europa Central que, con 90 artistas participantes de la República Checa, Hungría, Polonia, Eslovaquia y Eslovenia, es el tema central de la nueva edición.

via: El País

Se llamaba "gata" y murió ayer 29 de noviembre, 2010

Se llamaba "gata" y murió ayer 29 de noviembre, 2010 from armando sartorotti on Vimeo.

Nunca me atrajeron los gatos. Hace unos años, después de tener un perro entendí que, metafórica o literalmente las mascotas le pueden salvar la vida a la gente. Y hace 3 o 4 años mi señora se apareció con un gato. Como todos dicen que no responden a sus dueños le pusimos "gato". Poco tiempo después recogimos a un segundo felino que resultó ser ella y que, siguiendo el mismo razonamiento le pusimos "gata". Ahí empecé a entender a Osvaldo Soriano. "Gata" resultó que, teniéndole paciencia terminó respondiendo cuando se la llamaba o jugando a ser perro como muestra el video. Y así y todo nunca perdió su espíritu independiente. Ayer "gata" se me murió, creo que atragantada con algo. Supongo que debe ser lo mismo que ahora, mientras escribo sobre ella, me provoca esta sensación de garganta cerrada y esta molestia húmeda en los ojos.

El autismo de Elijah visto por su padre

¿Qué puede hacer un padre frente a su hijo cuando éste permanece extasiado durante horas con diferentes objetos. La respuesta para Timothy Archibald, fotógrafo publicitario, aún cuando la palabra "autismo" no había llegado a sus vidas fue tomar fotografías. Tratando de aprender sobre Eli y de crear un nexo con éste, Archibald acordó muchas de éstas imágenes con su hijo, en general por inciativa del niño. Cuando se le preguntó al fotógrafo porqué todas las fotos fueron hechas en la casa familiar en El Sobrante, California, respondió que "allí es donde se desarrolla su mundo". Las fotografías fueron tomadas cuando Eli tenía 5 años, ahora aparece el libro “Echolilia” con 43 ejemplos de aquellas sesiones y el niño con 8, concurre a tercer año escolar, El dice no sentir vergüenza por la aparición de la publicación.
Via: http://nytimes.com

El desfile por los 50 años de la revolución china

China's 60th Anniversary national day - timelapse and slow motion - 7D and 5DmkII from Dan Chung on Vimeo.

Dan Chung es un fotorreportero que actualmente trabaja para The Guardian en Londres. Si bien sus coberturas como la de Iraq en 2003, Indonesia y el tsunami de 2004 y Pakistan luego del terremoto de 2006 son impresionantes lo que admiro es su capacidad para usar las herramientas que nos ofrece la tecnología, como las cámaras fotográficas que permiten filmar o los procesos de edición digital. El fotovideoperiodismo como a todos nos gustaría hacer y mostrar. El trabajo que presento es el que más me impresiona, sobre todo si pensamos que está hecho con solo tres cámaras fotográficas de última generación. En el link que agregué al nombre pueden encontrar más trabajos de este profesional.

La historia no se repite pero las fotos se parecen

Hace unos días un twittero, @fer317, Fernando, me invitó a visitar esta serie de fotos periodísticas donde en situaciones y fechas diferentes se tomaron fotos muy similares. Por ejemplo éstas: una tomada el 21 de Octubre de 1967 en una marcha en Washington hacia el Pentágono contra la manida guerra del Vietnam. No hay caras tapadas, ni pinturas de guerra; solamente flores y globos de colores. A las puertas de la sede del Departamento de Defensa, varios miles soldados hacen de barricada. George Harris, un neoyorquino de 18 años, decide ‘encasquillar’ los cañones con claveles. La foto de Bernie Boston fue ignorada por la prensa hasta que ganó varios concursos pacifistas. La segunda es del 24 de Noviembre de 2004 en Kiev durante las elecciones a la presidencia de Ucrania. A las afueras del palacio presidencial una mujer trata de copiar gestos pasados en el escudo humano que el gobierno monta para contener a la oposición ante el temor de una revuelta por lo ajustado del resultado electoral por el fotógrafo de Reuters Vasily Fedosenko.
via: http://kurioso.es

12 fotos históricas, no muy conocidas

En el sitio social argentino Taringa un colaborador publicó esta serie de fotos que merecen ser visitadas. Por ejemplo ésta del Central Park de Manhattan en 1930. La información que acompaña las imágenes es veraz. via: http://www.taringa.net